U1 Análisis del Lenguaje Cinematográfico U1

No leas esto antes de ver los Cortometrajes para Analizar

y realizar la Actividad 1, que encontrarás

en la Guía de Actividades de esta unidad.

 

1.1 Lenguaje Cinematográfico

Una película se construye creando y organizando imágenes y sonidos con el objetivo de contar una historia; lo cual significa que detrás de cada película existe siempre alguien que decide cómo crear y organizar las imágenes y los sonidos, tratando de expresar ideas y producir sensaciones. Es por ello, que hablando del cine como producto cultural y medio de expresión artística de un autor, José de la Colina señala que “toda mirada se resuelve en la mente, toda mirada es una lectura del mundo, de sus signos y sus cifras […] La ventana es algo que escoge en la variedad y virtual infinitud de lo real; la ventana es un acto del pensamiento y de la voluntad, una creación.”

Ahora bien, cada cineasta tiene la libertad de elegir cómo crear y organizar las imágenes y los sonidos para contar una historia, sin embargo, hay una serie de convenciones denominadas comúnmente Lenguaje Cinematográfico, que han sido generadas colectivamente a través del tiempo y establecen normas generales sobre cómo articular imágenes y sonidos para que la historia que se quiera contar y las ideas que se quieran expresar sean comprendidas por el espectador, llevándolo a experimentar determinadas sensaciones.

Podemos dividir al lenguaje cinematográfico para su estudio en componentes visuales, sonoros y sintácticos, es decir, en las convenciones relativas a cómo se construyen y recortan fragmentos de la realidad frente a la cámara, a cómo se hace el registro de los sonidos frente al micrófono, así como las relativas a la forma en la cual se interrelacionan las imágenes y los sonidos en un discurso a través del montaje.


1.2 Método de análisis

Partiendo de considerar al cine como un arte, el análisis que realizaremos tiene como objetivo describir la naturaleza estética de las obras cinematográficas, comprender cómo se construyen y articulan los componentes visuales, sonoros y sintácticos de una película para lograr un determinado resultado.

El análisis supone un ejercicio crítico de observación y reflexión que propone una hipótesis sobre el funcionamiento de los mecanismos internos de una obra. El análisis trasciende los resultados de la crítica, que se limita expresar un punto de vista subjetivo en términos de “porque me gusta o no me gusta” una película; el análisis aporta argumentos objetivos acerca de porque funciona o no funciona una película, en función de que el espectador comprenda con claridad la historia que se le cuenta y por ende experimente determinadas sensaciones.

El primer paso del análisis que practicaremos consiste en exponer nuestros sentidos a la película sin tratar de analizarla, verla con el único objetivo de poder definir al terminar de verla, de qué se trata en términos de personajes que realizan acciones.

El segundo paso será ver la película nuevamente para identificar las unidades narrativas que la componen:

  • Fotograma: Dependiendo de los formatos de grabación, de cine o video, el número de fotogramas que componen un segundo de película es variable, siendo la media habitual 24 fotogramas por segundo.
  • Toma: Es la unidad básica de filmación o grabación. El material que se registra desde que se pone en marcha la cámara hasta que se detiene.
  • Plano: Es la unidad básica de un relato audiovisual, formada por el grupo de fotogramas de una toma que se aprovecha para el montaje. No se debe por tanto confundir plano con toma, aunque a veces coincidan en la práctica.
  • Escena: Es el conjunto de planos cuya acción transcurre en un mismo escenario y en una misma unidad temporal.
  • Secuencia: Es una serie de escenas con cierta continuidad de espacio, acción o personajes.
  • Plano secuencia: Es la secuencia rodada en un solo plano.
  • Actos: Comúnmente las películas se estructuran en tres actos, el planteamiento, en el cual son presentados los personajes así como sus necesidades, los objetivos que a lo largo de la historia tratarán de conseguir; el desarrollo, que describe la lucha del protagonista por conseguir sus objetivos, cómo hace frente a obstáculos que deben ser resueltos y superados para que logre satisfacer su necesidad dramática; y el desenlace, donde queda claramente definido qué pasó con el protagonista y su necesidad dramática, si alcanzó o no su objetivo y en qué términos ocurrió.

Para quien se inicia en el análisis del lenguaje cinematográfico puede resultar de gran aprendizaje analizar cortometrajes y tomar nota de la cantidad exacta de planos, escenas y secuencias que los componen, para posteriormente verlos la cantidad de veces que se considere necesaria, para descomponer los cortometrajes  en sus elementos constituyentes, describiendo las características de los componentes visuales y sonoros de cada una de las unidades narrativas, así como las formas en las cuales se interrelacionen a través del montaje.

Una vez que se ha descompuesto una película en todas sus partes constituyentes, el siguiente paso será volver a ver la película la cantidad de veces que sea necesaria, para identificar cómo la interrelación de los componentes nos hace sentir y pensar de una forma determinada, valorando si esos componentes y sus características fueron las ideales o si hubieran podido ser más adecuados otros diferentes, en términos de eficacia narrativa.


1.3 Códigos Visuales y Sonoros

Para analizar una obra cinematográfica en los términos que hemos expuesto anteriormente, es necesario que comprendamos cómo funciona el cine como medio de expresión artística, como medio para construir una narración por medio de la articulación de imágenes y sonidos; es necesario que conozcamos a detalle cuales son los códigos visuales, sonoros y sintácticos que conforman el lenguaje cinematográfico, así como las posibilidades expresivas que ofrecen por separado y al combinarse.

Códigos Visuales

  • Perspectiva
  • Encuadre
  • Movimiento
  • Iluminación y color

Códigos Sonoros

  • Naturaleza del sonido
  • Colocación del sonido

Códigos Sintácticos

  • Espacio y tiempo
  • Estructura
  • Ritmo

CÓDIGOS VISUALES

Perspectiva: La realidad que percibimos es tridimensional y con una cámara creamos imágenes bidimensionales, a las cuales,  podemos dotar de una cierta tridimensionalidad utilizando la perspectiva. Nos servimos, pues, de los elementos que están naturalmente dentro del cuadro, de tal manera que, entre el fondo de la escena y su primer término, exista una distancia más psicológica que física.

Encuadre: El encuadre es aquello que vemos en pantalla, la porción de la realidad que la cámara enmarca y registra. La puesta en escena es la forma y composición de los elementos que aparecen en el encuadre, lo cual incluye todos los aspectos propios de lo cinematográfico como movimientos de cámara y tamaño de los planos, así como aquellos aspectos compartidos con otros medios de expresión artística como la iluminación y los movimientos de los actores.

Movimiento: La imagen cinematográfica ofrece tres diferentes posibilidades de movimiento:

  • Movimiento al interior del cuadro
  • Movimiento de cámara
  • Movimiento óptico

El movimiento al interior del cuadro corresponde al movimiento de los personajes u objetos, el movimiento de cámara son los desplazamientos que haga la cámara con respecto a los personajes y finalmente, el movimiento óptico es el que tiene lugar al interior del objetivo de la cámara que comúnmente llamamos Zoom.

Iluminación y color: Los códigos de iluminación son los que organizan los diferentes usos de la luz en la composición de un encuadre. La gama de posibilidades va desde la luz neutra que se limita a hacer visibles los objetos, hasta la luz que subraya algún elemento, crea un clima espacial o posee un contenido simbólico. Pensemos, por ejemplo, en la utilización tan característica de la luz en el cine negro, que acentúa las zonas de sombras y las muy iluminadas, creando este clima de misterio que es una de sus principales modos de reconocimiento.

Los códigos de color refieren a la utilización del blanco y negro, y del color. El blanco y negro que, en las primeras décadas de la existencia del cine, fue producto de una dificultad tecnológica, luego se convirtió en una elección estilística.

 

CÓDIGOS SONOROS

Naturaleza del sonido: La primera distinción es entre sonido diegético y no diegético. Decimos que el sonido es diegético cuando vemos la fuente emisora en la imagen; cada diálogo en el que vemos hablar a los personajes es un ejemplo.

Llamamos sonido no diegético a aquel en que la fuente emisora no tiene nada que ver con los elementos representados. El ejemplo más conocido es el de la música que acompaña a las acciones; muchas veces, lo hace ilustrando determinados tipos de emociones y otras contradiciéndolas.

Colocación el sonido: La segunda distinción, estrechamente relacionada con la anterior es la que separa a los sonidos en voz in, off y over.

La voz in es diegética, está en campo, vemos la fuente sonora. La voz off es diegética pero no vemos la fuente sonora, está fuera de campo. Por ejemplo en un diálogo en el que se escucha la voz de los dos interlocutores, pero vemos sólo la imagen de uno: la voz del personaje que no está visible es una voz off.

La voz over es no diegética y designa a aquella voz que se instala en paralelo a las imágenes, sin relación con ellas, emergiendo de una fuente exterior a los elementos que intervienen diegéticamente en el film. Es el caso de los narradores omniscientes o de los comentarios de los documentales.

 

1.4 Códigos Sintácticos

Todos estos componentes que hemos estudiado se organizan en cada film formando un entramado espacial desarrollado en el tiempo; esto significa que una película conlleva una construcción de un espacio imaginario de representación, llamada puesta en escena, y articula cada uno de los fragmentos de ese espacio en una sucesión que forma una cadena temporal, llamada puesta en serie o montaje.

La puesta en escena es la que permite que, durante la duración de la película, creamos que cosas irreales sucedan con total naturalidad, o que nos adentremos en universos fantásticos. Mediante la construcción de diferentes verosímiles, permite crear efectos de realidad, poner en suspenso nuestras creencias para que podamos sumergirnos en la historia.

La puesta en serie constituye el principio constructivo del discurso fílmico. A través de ésta se establece una sucesión, según la cual a una imagen le precede y sigue otra; y, de este hecho se deriva que cada imagen recibe o da alguna información que no proviene tanto de sí misma sino de su articulación con las demás. El montaje establece relaciones entre los planos que van más allá del recurso técnico de unir fotogramas. A través del montaje se construye sentido: La imagen de un rostro cambia su significado si le antecede la imagen de un plato de comida, de un paisaje lluvioso o de una carta de amor.

Espacio y tiempo

Con respecto al encuadre y su relación con el montaje, es muy importante comprender las nociones de campo y fuera de campo, a través de las cuales se construye el espacio donde los personajes realizan acciones. Decimos que algún personaje u objeto está en campo cuando lo vemos en la pantalla, y que está fuera de campo cuando inferimos que está en el mismo espacio que lo que vemos en campo, aunque no podamos verlo; por ejemplo, cuando vemos en campo a un personaje que habla dirigiéndose a otro que no podemos ver a cuadro.

En el cine clásico, la orientación del espectador en este espacio imaginario, compuesto por el campo y el fuera de campo, está dada por el respeto del raccord. El raccord es la construcción de continuidad, y puede ser de miradas o de dirección: Si un personaje sale de cuadro por el lado derecho de la pantalla lo veremos entrar al espacio contiguo por el lado izquierdo. Si un personaje se dirige a otro que está fuera de campo, mirando hacia la izquierda, cuando el otro le responda y aparezca en campo, lo hará mirando hacia la derecha. El cine moderno se caracteriza por transgredir las convenciones del lenguaje clásico; así, uno de los recursos que más ha utilizado ha sido el alterar el respeto del raccord, lo que genera en el espectador una falta de ubicación espacial que produce cierta incomodidad. Para el cine clásico, el respeto de estos procedimientos es sinónimo de “buen cine”; no los toma como procedimientos arbitrarios sino como la norma que debe cumplirse. Justamente contra esto se van a manifestar los autores del cine moderno.

Ahora bien, el tiempo fílmico es la representación del tiempo real (duración objetiva del movimiento de los acontecimientos tal y como se desarrollan en la realidad). El tiempo en el cine es diferente al tiempo real, es un tiempo variable, no necesariamente lineal, que incluso se puede acelerar o invertir, según el tema y la escena. A continuación algunos conceptos importantes en torno al tiempo:

  • Tiempo real. El que tarda en ocurrir un acontecimiento en la realidad.
  • Tiempo fílmico. El que se produce por manipulación para acelerar o retardar los acontecimientos, reproducir paso a paso o cambiar el orden de los sucesos de cara a presentar al espectador una visión intencionada y distinta del acontecimiento.
  • Tiempo de filmación. El tiempo que se tarda en filmar una escena.
  • Distensión: cuando el director alarga la escena más de lo que dura en tiempo real. Así le da un tono más metafórico o intenta que el espectador se fije más en los detalles.
  • Condensación: se suprime una parte del relato que el espectador debe suplir con su imaginación. Se llama también elipsis.
  • Hacia atrás y hacia el futuro en el tiempo: Con el «flash-back» (tiempo pasado), se relata lo que ya ha sucedido. Con el «flash-forward» (tiempo futuro), lo que está por venir.

Estructura

Para adquirir sentido en conjunto, los elementos constituyentes de una película se organizan en un determinado orden, se articulan con una determinada estructura, que suele llamarse estructura dramática, siendo la más común, la estructura de tres actos.

Ritmo

El ritmo está en función del tiempo, del tema y del dramatismo de la escena, es una impresión dinámica creada por:

  • la duración de los planos
  • por las intensidades dramáticas
  • por efecto del montaje

El ritmo del cine es una unidad compuesta por tres ritmos: el visual interno o externo (de la imagen), el auditivo (del sonido) estudia la realidad de forma analítica o sintética, y el narrativo (representado por el desarrollo de la acción y encuadre).

 

REFERENCIAS

Kriger, Clara; González Centeno, Carolina; González, Lelia y Spadaccini Silvana. Análisis del lenguaje cinematográfico. Escuela Nacional de Realización y Experimentación Cinematográfica – ENERC. Marzo de 2005. Buenos Aires.

Noguera, M. S. (1997). Análisis de la realización cinematográfica. Madrid: Editorial Síntesis.

Prunes, Mariano; Raine, Michael  y Litch, Mary. Film Analysis Web Site 2.0. Recuperado en Octubre, 10 de 2011, de: http://classes.yale.edu/film-analysis/

Zavala, Lauro. El análisis cinematográfico y su diversidad metodológica. Revista Casa del Tiempo. Universidad Autónoma Metropolitana. No.30 Abril de 2010. Recuperado en Octubre, 10 de 2011, de: www.uam.mx/difusion/.../casa_del_tiempo_eIV_num30_65_69.pdf

Last modified: Saturday, 17 March 2012, 12:35 PM